細川俊夫『細川俊夫 音楽を語る──静寂と音響、影と光』刊行記念トーク・ショー[2017年3月4日/ESPACE BIBLIO]のお知らせ

51fwl3vou1l昨年12月に拙訳にてアルテスパブリッシングより刊行された、細川俊夫著『細川俊夫 音楽を語る──静寂と音響、影と光』(聞き手:ヴァルター゠ヴォルフガング・シュパーラー)の刊行を記念して開催されるトーク・ショー「細川俊夫の創作の背景にせまる──尹伊桑、武満徹、そしてオペラへの道」をご案内いたします。来たる3月4日(土)15:00より駿河台のESPACE BIBLIOにて開催されるトーク・ショーでは、著者の細川俊夫さんをお迎えして、本書において初めて語り下ろされた、この世界的な作曲家の創作の軌跡の背景にあるものや、本書では語られなかったエピソードなどを、2012年にドイツで本書の原書が刊行されて以後の作曲活動を含めて詳しくお話しいただきます。また、今回は特別ゲストとして、世界を代表するリコーダー奏者の鈴木俊哉さんをお迎えいたします。細川さんのお話と鈴木さんの演奏によって、本書の内容を具体的に感じ取っていただきながら、細川さんの「空間と時間の書(カリグラフィー)」としての音楽を身近に感じていただけるものと考えております。会場などの情報は、末尾に記しておきます。開催に向けてご尽力くださっているESPACE BIBLIOの関係者のみなさまに、この場を借りて心より感謝申し上げます。

本書『細川俊夫 音楽を語る』の概要はすでに別稿に記しましたし、版元のアルテスパブリッシングのウェブサイト(こちらから直接本をご購入いただくこともできます)にも記されておりますので、ここでは繰り返しません。今回の「細川俊夫×柿木伸之トーク・ショー」では、この「対話による自伝」に語られた半生と作曲の足跡のうち、とくにベルリン留学時代の尹伊桑との師弟関係や、細川さんの広島での少年時代にまで遡る武満徹との関係に焦点を絞りながら、これらの作曲家の音楽との対照において、細川さんの音楽世界を浮き彫りにしたいと考えております。鈴木さんの演奏を交えながら、これらの作曲家と細川さんのあいだにある東洋の伝統楽器へのアプローチの相違などにも光を当てることができるのでは、とも思います。2012年以後の作曲の展開を語っていただく際には、オペラ《班女》、そして《松風》の一部の貴重な映像を見ながら、ちょうど一年前にハンブルクで平田オリザさんの演出により初演された《海、静かな海》を含めたオペラの作曲についても詳しくうかがえるものと考えております。それをつうじて、オペラを含む音楽作品を世界中から委嘱され続けている細川さんの作曲の現在が、本書に語られた創作の源泉から浮かび上がることでしょう。細川さんの音楽世界の展開の軌跡とその今にじかに接することのできる3月4日のトーク・ショーへ、ぜひお誘い合わせのうえお越しください。多くの方のご来場を心よりお待ち申し上げております。

  • 日時:2017年3月4日(土)15:00〜17:00(14:30開場)
  • 会場:ESPACE BIBLIO(エスパス・ビブリオ)※リンク先に地図があります。〒101-0062 東京都千代田区神田駿河台1-7-10YK駿河台ビルB1F
  • 参加費:1,500円(当日精算)
  • 予約制:Eメール(info@espacebiblio.superstudio.co.jp)または電話(Tel.: 03-6821-5703)にて受付(定員60名)。Eメールでご予約の際には、上記のアドレス宛に件名「3/4細川氏トーク希望」にて、お名前、電話番号、参加人数をお知らせください。追って返信で予約完了が伝えられるそうです。電話による予約は、火曜日から土曜日の11:30〜20:00のあいだ受け付けているとのことです。20170304%e7%b4%b0%e5%b7%9dx%e6%9f%bf%e6%9c%a8%e3%83%88%e3%83%bc%e3%82%af_a6%e7%89%883rd
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武生国際音楽祭2015の演奏会などを聴いて

今年も9月9日の夜から12日の夕方にかけて、福井県越前市の武生で、26回目を迎える武生国際音楽祭2015のいくつかの演奏会や作曲ワークショップのセッションを聴かせていただいた。今回の音楽祭の白眉は、何と言っても9月11日の夜に行なわれた「細川俊夫と仲間たち」の演奏会だったのではないだろうか。この音楽祭の音楽監督を務める細川とともに歩んできた音楽家たちが、みずからの音楽をもって、来月に還暦を迎える細川の芸術を祝福する場になったと思われる。

とくに演奏会の後半で、細川の音楽を知悉した演奏家たちが、その内実を見事に引き出していたのが印象に残る。まず、フルート独奏のための《垂直の歌I》では、上野由恵が澄みきったひと筋の音で、歌の源泉とも言うべき魂の深奥へ聴き手の耳を誘っていた。上野のフルートが、そこに凝集してくる情念を徐々に音のエネルギーに変えながら高揚させ、それを爆発的に発散させた後、あたかも余韻のように最初の澄んだ音を回帰させたのには、深い浄化に至る魂の息遣いを聴く思いだった。

次に演奏されたピアノ独奏のための《エチュードII──点と線》では、山本純子のピアノが、夜闇に星々が微かに浮かび上がるようなモティーフを細やかなタッチで提示した後、徐々に強度を帯びていく持続を、音たちの共鳴のなかに自然に形成していくのに思わず引き込まれた。また《トリオ》では、ピアノの深い響きを背景としながら徐々に前景に浮かび上がるヴァイオリンとチェロの音が重なったり分かれたりしながら、最終的に、ともに嵐を起こすような強いエネルギーを放射するに至るのを印象深く聴きました。辺見康孝と多井智紀の表現は、内から湧き出てくる大きさと強さを増したように思われる。

そして、圧倒的な感銘を残したのが、大石将紀のテナー・サクソフォン、中川賢一のピアノ、葛西友子のパーカッションによる《ヴァーティカル・タイム・スタディII》。書の打ち込みから線が生じてくる瞬間のように、強い打撃音によって垂直的に断ち切られる瞬間を焦点としたこの作品において、この三名の演奏は完璧なアンサンブルで、空間が縦に裂けるかのような強烈な打撃音を響かせるのみならず、その余韻も実にニュアンス豊かに響かせていた。内部奏法も駆使した中川のピアノ演奏に、葛西の多彩な奏法を駆使した打楽器演奏が見事に呼応して、この作品でしか聴けない、深淵の上に緊張感を伴いながら漂う響きが生まれていた。それに乗って大石が、時に空間全体を震わせるかのような力を放つ強い音も聴かせつつ、非常に表現の振幅の大きな演奏を繰り広げたので、ホールの天井を突き抜けるかのような響きの垂直性が生まれていた。

この演奏会の前半では、細川の音楽から折々に刺激を受けてきた、彼より若い世代の四名の作曲家の作品が演奏されたが、そのなかでは、ディアナ・ロタルがソプラノ、フルート、クラリネット、ピアノ、パーカッションのために書いた《沈黙を破れ》という作品を、とても興味深く聴いた。声の動きと楽器の音をうまく溶け合わせ、かつ各楽器の響きを生かしながら、独特の浮遊感と神秘性を湛えた音響空間を、実に音楽的に現出させていた。伊藤弘之の木管五重奏のための《うつりゆく秋》も、四分音を独特のかたちで織り込んだテクスチュアで、たゆたうように風景が変化していく動きを見事に表現していたと思われる。

個人的に非常に印象深かったのは、フェデリコ・ガルデッラがフルート、クラリネット、ヴァイオリン、チェロ、ピアノのために書いた《歌い沈黙する建築》だった。独特のほの暗い響きを造形しつつ、沈黙のなかから歌うような響きが明滅するのを、非常に細やかに表現した作品。ガルデッラの作品は、同じ9月11日の午前に行なわれた「新しい地平マチネコンサート」でも聴くことができた。こちらで演奏されたフルートのための《五つの夜想曲風コーラス》は、ひと筋の響きが徐々に複数化して合唱のように響き合いはじめる過程を焦点とした作品で、その繊細なテクスチュアを、マリオ・カローリのフルートが見事に響かせていた。ガルデッラが、作曲ワークショップのセッションで、これも魅力的なオーケストラ作品を紹介しながら、自分について、カスパー・ダフィート・フリードリヒの風景画において、無限に広がる風景を凝視し浮かび上がらせている海辺の修道僧のような存在でありたいと語っていたのも印象に残る。将来が楽しみな作曲家の一人である。

今年の作曲ワークショップでは、もう一人、ポーランド出身のベッティーナ・スクリプチャクという作曲家が、音楽評論家のマックス・ニフラーによって紹介されて、彼女の音楽にも興味を惹かれた。彼女の作品も非常に繊細なテクスチュアを持っていて、とくに先の「新しい地平マチネコンサート」で演奏された、クラリネット、チェロ、ピアノのための《イリュミナツィオーネン》では、非常に微かに響き始めたひと筋の音がやがて嵐のように、しかし緊密な構成感を保ちながら展開した後、天へと消え入っていくようなチェロの音に昇華されていきます。スクリプチャクは、もっと多くの作品が日本で紹介されてよい作曲家であろう。

9月12日にも二回にわたって行なわれた「新しい地平コンサート」では、思いがけずカイヤ・サーリアホの作品を3曲聴くことができた。マリオ・カローリのフルート独奏による《翼の簡潔さ》では、言葉が楽器の音に溶け入りながら詩の世界を繰り広げるのが興味深かったし、アンシ・カルトゥーネンのチェロが加わった《鏡》と彼の独奏による《七匹の蝶々》では、彼の演奏の素晴らしさも相俟って、非常に繊細な響きから澄んだ世界がすっと広がっていくのを聴くことができた。

サーリアホの作品以外では、ジョルジュ・アペルギスのテナー・サクソフォンのための《アルター・エゴ》が、影のような動きを面白く造形していた。金井勇の《造形的な事象》は、敢えて硬質な響きの造形を貫くことで、木管五重奏から独特の光彩のある一つの響きを引き出していたと思われる。ニーナ・シェンクが木管五重奏のために書いた《瞬間》は、自由無調の頃のシェーンベルクとも通底する独特の生命感を持った音響の運動性が面白いが、コーダの部分がストラヴィンスキーの《春の祭典》の一節によく似ているように聴こえたのは私だけだろうか。いずれの作品でも、スロヴェニアのスローウィンド木管五重奏団が、献身的とも言える演奏を聴かせてくれた。

このように、新しい音楽の生成の現場に立ち会うことができるのが、武生国際音楽祭の最大の魅力であるが、それと並んで、素晴らしい才能を持った若い音楽家たちの力のこもった演奏に接することができるのも、他には代えがたい魅力である。9月9日の夜には、「東欧弦楽作品の夕べ」と題する、若い音楽家たちがヤナーチェクやバルトークの難曲に挑む演奏会を聴いたが、まずヤナーチェクの弦楽四重奏曲第1番《クロイツェル・ソナタ》で、若い弦楽器奏者たちで組織されるエール弦楽四重奏団が、この作品の強度を見事に響かせていたのに感嘆させられた。救いのない惨劇を人間存在の根底を抉り出すかたちで繰り広げる、彼のオペラの世界を凝縮したようなこの弦楽四重奏曲の恐ろしさが、四つの声部の緊密な絡み合いのなかから垣間見える演奏に仕上がっていた。

それ以上に驚嘆させられたのが、このエール弦楽四重奏団によるバルトークの弦楽四重奏曲第4番の演奏。彼の音楽の多面的な魅力が、強い表現力を発揮させるかたちで、かつ緊密な構成の下で凝縮されたこの作品に漲るエネルギーが、若い演奏家たちの表現意欲と優れて音楽的なかたちで一体化した演奏だったと思う。野性的なリズムのモティーフが緊張の度を高めながら発展していく楽章も、密やかにさざめく夜の音楽が聴かれる楽章も、説得力に満ちた演奏に仕上がっていた。この翌日の午前に行なわれた弦楽器とピアノの「ミニコンサート」では、このクァルテットでヴィオラを弾く田原綾子が、豊かな音でシューマンの《おとぎの絵本》の歌心に溢れた演奏を聴かせてくれた。

同じ10日の夜に行なわれた「ブラームスと武満徹」をテーマとする演奏会の冒頭では、エール弦楽四重奏団でも弾いている若いチェリスト上野通明が、ブラームスのチェロ・ソナタ第2番を、驚くほど豊かな表現力で見事に演奏していたのに驚嘆させられました。経験を積んだチェリストにとっても、曲の全体を摑むのはけっして容易ではないこの曲の大きな流れを捉えながら、素晴らしい技巧で細部も音楽的に響かせた演奏だった。晩年に差し掛かろうとするブラームスの音楽の力強さと闊達さの双方が響いていた。曲の構造を浮き彫りにしながらチェロ独奏を支えた、伊藤恵のピアノも素晴らしい。

この演奏会で次に演奏された、武満徹のヴィオラ協奏曲《ア・ストリング・アラウンド・オータム》の細川俊夫によるピアノ伴奏への編曲版では、ヴィオリストの赤坂智子が、晩年の武満の「うた」を、深い息遣いと自然なフレージングで非常に豊かに響かせていた。間をたっぷり取りながら、歌が内から形を変えつつ湧き出るなか、風景が彩りを変えながら立ち上ってくるさまが、非常に美しく表現されていた。繊細なタッチで背景を織りなしながらヴィオラの「うた」を浮き上がらせた、津田裕也のピアノも印象に残る。

最後に演奏されたブラームスのクラリネット五重奏曲では、ミシェル・ルティエックのクラリネットが実に素晴らしかった。時に際立ちながら、また時に弦楽器のアンサンブルに溶け込みながら、憂いを帯びた歌を実に豊かに響かせていた。なかでも緩徐楽章で、聴こえるか聴こえないかのところで静かに張りつめたピアニッシモから音楽が熱を帯びていく辺りで、クラリネットの極限的とも言える表現に、弦楽器奏者たちが見事に反応して、内側から高まっていく音楽が生まれていたのには、心からの感動を覚えた。

引接寺で花士珠寳により献花された生花武生国際音楽祭のもう一つの魅力として、多くの社寺が建ち並ぶ武生の街が音楽に満ちた街に変わることがあるが、今回の音楽祭では9月9日の夜、引接寺で尺八、フルート、能、生花のコラボレーションによって構成された演奏会を聴くことができた。本堂の両翼から尺八が響いて奥行きのある空間が開かれるオープニングから引き込まれたが、とくに印象的だったのは、マリオ・カローリによるフルートの演奏。雨音が漏れ聞こえるなかをすっと貫くようなピアニッシモの持続音と空間を切り裂くような息の音を交錯させながら、素晴らしいシャリーノを聴かせてくれた。

この演奏会では能楽師の青木涼子が、謡いと舞いの身体的表現だけで、曲水の宴が繰り広げられるもう一つの世界へ聴衆を誘っていたのも感銘深い。最小限に切り詰められながらたゆたうような優雅さを示す表現が、一つの時空間を切り開く能の表現には、生花とも通底するものがあるにちがいない。花士珠寳の献花は、雨露を浴びながら上へ伸びようとする竹と、内へ籠もるような力を示す花の赤との拮抗のなかから一つの凝縮された自然界を繰り広げるもの。植物と対話するように草木や花を生けていたのも心に残る。

ある意味でこの由緒ある引接寺での演奏会が象徴するように、洋の東西を越える芸術の協働のなか、新しい音楽と若い才能が、伝統のある街のなかから世界へ羽ばたく音楽祭として、武生国際音楽祭がこれからもその独自の魅力をさらに深めながら続いていくことを願ってやまない。

ミンゲット弦楽四重奏団の演奏を聴いて

広島に、そして広島から新たな耳を開くべく続けられている現代音楽の演奏会シリーズHiroshima Happy New Earの第18回目の演奏会[2014年11月18日/アステールプラザオーケストラ等練習場]に登場したのは、ドイツのケルンを拠点に活躍を続けるミンゲット弦楽四重奏団。その名は、芸術は大衆に愛されるものであるべきだと説いた18世紀スペインの哲学者パブロ・ミンゲットに由来するという。哲学者ミンゲットの精神は、もしかすると、ミンゲット弦楽四重奏団の考え抜かれたプログラム構成に表われているのかもしれない。古典的な作品やその楽章と、現代作品とが照らし合わせられる──例えば今回、メンデルスゾーンの弦楽四重奏曲第6番の両端楽章のなかに、ドビュッシー、ヴェーベルン、細川俊夫らの作品が挟まれていた──ことによって、両者に通底する楽想が浮かび上がり、誰もが現代作品に近づける回路が開かれるとともに、古典的な作品のなかにも新たな発見の余地が開かれるのだ。ミンゲット弦楽四重奏団は今回、こうしたプログラム構成も含め、これまでHiroshima Happy New Earのシリーズに登場したアルディッティ、ディオティマ、ジャックといった弦楽四重奏団とはまた異なった個性を優れて音楽的に発揮していた。

とくに印象的だったのが、ミンゲット弦楽四重奏団が、内声を軸に、クァルテットとしての響きの充実を志向していたこと。第2ヴァイオリンのアネッテ・ライジンガーとヴィオラのアロア・ソリンのしなやかで、豊かに広がる音が、クァルテットの響きに深い奥行きをもたらしていた。また、それによって、メンデルスゾーンの最後の弦楽四重奏曲においては、悲痛な歌が内側から湧き上がってくる。姉ファニーの死に直面した衝撃のなかから生まれたとされるこのヘ短調の弦楽四重奏曲より両端楽章が、演奏会の最初と最後に演奏されたが、そこに込められた激情が、うねるような曲のダイナミズムに結実したのも、このクァルテットならではのことだったにちがいない。そして、この曲に見られる、動機を連綿と発展させ、精神の内奥から歌を紡ぐ行き方が、W・リームの弦楽四重奏曲にも、またヴェーベルンの弦楽四重奏のためのバガテルにも受け継がれているのを、メンデルスゾーンのあいだにこれらが置かれることで、はっきりと感じ取ることができた。

とくにリームの作品は、いくつかのモティーフを、表現主義的とも思える仕方で運動性豊かに、またあくまでそれが楽音において響く可能性を突き詰めるかたちで展開するものと言えようが、その美質がミンゲット四重奏団によって存分に引き出されていたのは非常に印象的だった。他方で、ヴェーベルンのバガテルにおいては、音そのものの最小の展開のうちに最大の自由が凝縮していることを、豊かな歌とともに響かせていたのではないだろうか。ともすれば、雰囲気的に演奏されかねないとも思われる武満の《ランドスケープ》において、このクァルテットが、鋭い打ち込みのなかから響きの層を豊かに繰り広げていたのも印象深い。それぞれの層の襞まで響いてくるかのような演奏だった。その後にドビュッシーの弦楽四重奏曲の緩徐楽章を聴くと、その静謐な響きの層に、武満の楽想の源があるかのようにさえ思えてくる。この楽章の演奏は、それぞれの楽節の特徴をしっかりと示しながら、深いところから柔らかな歌を響かせるもので、それだけで一個の作品のようにさえ聞こえるほど内容的に充実していた。

こうしたミンゲット四重奏団の響きの特徴と、質実な音楽へのアプローチが最も生きたのが、細川俊夫の《開花》の演奏であろう。一つひとつの音に時間をかけて沈潜するなかから、豊かな歌が深い憧れを内包して響いてくる。水面へ上ろうとする蓮の茎のうちで躍動する生命のダイナミズムが、これほど奥深いところから湧き出た演奏は、これまで聴いたことがない。たしかに、技術的な完成度だけを見るなら、ミンゲット四重奏団の演奏には、これまでHirosihma Happy New Earのシリーズに登場したクァルテットに及ばないところはあろう。しかし、泥土の底から這い出てくる蓮の生命を、その開花の喜びを、ミンゲット四重奏団の演奏以上に深いところから、豊かな歌とともに響かせた演奏は、これまで聴いたことがない。

アンコールには、メン261118デルスゾーンの弦楽四重奏曲第6番より緩徐楽章が演奏された。深沈とした歌に満ちた、ファニーのレクイエムとも言うべきその楽章は、原子爆弾の犠牲者をはじめ、人類の苦難の歴史の犠牲者たちに捧げる一つのレクイエムとして演奏されたという。広島という場に身を置くことで生じた、クァルテットのメンバーのこのような思いもまた、演奏された作品の響きにいっそうの奥行きを添えたはずだ。広島からの霊感とともに生まれた、深い歌に富んだ音楽の出来事に立ち会えた幸運に感謝したい。

サントリー芸術財団Summer Festival 2013より

9月の3日と5日に、サントリー芸術財団が主催するSummer Festival 2013の一環として行なわれた、サントリーホール国際作曲委嘱シリーズの演奏会を聴かせていただきました。今年のテーマ作曲家は細川俊夫さんで、9月3日に開催されたのは、細川さんの弦楽四重奏曲を、最初期の作品から最新の作品まで通観する演奏会、5日に開催されたのは、サントリーホールからの委嘱作品である細川さんのトランペット協奏曲《霧のなかで》の世界初演を中心とする管弦楽作品の演奏会でした。

9月5日の演奏会の開演前には、プレ・トークが行なわれ、その聞き手を務めさせていただきました。先頃ザルツブルク音楽祭で世界初演されたソプラノとオーケストラのための《嘆き》や、演奏会で一部が取り上げられるオペラ『松風』など、最近の作品について、世界初演を迎えるトランペット協奏曲《霧のなかで》について、そしてこの国際作曲委嘱シリーズの創設者である武満徹さんの遺志に沿って、細川さんが最も影響を受けた作曲家と最も将来を嘱望する作曲家の作品を取り上げた、演奏会のプログラム全体のコンセプトについて、細川さんにお話をうかがいました。

それから、Summer Festival 2013のプログラムには、「照応のなかに開花する〈うた〉へ──細川俊夫の近作に聴く〈うた〉の探究」と題するささやかなエッセイを寄稿させていただきました。人間が飼い馴らすことのできない自然との、宇宙的とも言える照応関係が身体的に生きられるなかから開花する〈うた〉、この自然と共振する魂の内側から響き出る〈うた〉を追求する細川さんの作曲活動を、先頃広島で日本初演された尺八協奏曲《旅X──野ざらし》、ベルリンなどで再演されたオペラ《松風》、9月3日にも取り上げられた弦楽四重奏曲《開花》などのうちに見届けようとするものです。

9月3日と5日の演奏会の印象を、それぞれ短く記しておきます[すでにFacebookの私のウォールに記したことと内容的に重なっている点、ご容赦ください]と、まず、9月3日に開催されたディオティマ弦楽四重奏団による、細川俊夫さんの弦楽四重奏曲を集めた演奏会[サントリーホール小ホール「ブルーローズ」]では、このクァルテットの研ぎ澄まされた響きによって、細川さん独特の書の線をなす響きに込められた動きや歌が、余すところなく、かつ濃密な時間のなかで表現されていたのが、非常に感銘深かったです。響きの繊細さが、曲の特色を生かすかたちで発揮されたのが、最新の《遠い声》の演奏で、雲が漂うようにゆったりと流れ、時折笙の音を思わせる響きのなかに、繊細な、自然と感応するなかから歌い出される密やかな歌が、歩むように響いているのを聴くことができました。6月に世界初演されたばかりで、この日の演奏が日本初演だったこの曲は、深く聴くことに誘う一曲と思われます。

また、4つの楽器の音が、ごく近い音で静かに折り重なるなかから音のドラマが展開するのは、最初に1980年の《原像》から変わらない細川さんの弦楽四重奏曲の特徴で、とくにこの最初期の作品では、張りつめた響きのなかから、強い情念を感じさせる音楽が高まっていきます。濃密な沈黙もこの作品の特徴をなすもので、そこにチェロのピツィカートが打ち込まれ、そこからクァルテット全体で琵琶の即興演奏のような音楽が展開する一節がとくに印象深かったです。そこを聴きながら、あるいはコル・レーニョの連打が内的な葛藤を表現する一節を聴きながら、広島で聴いた、これも最初期のヴァイオリン独奏のための《ウィンター・バード》や、武満徹さんの1960年代の作品を思い出しました。

これらの2曲のあいだには、《開花》、《沈黙の花》、そして《書》からの4曲が演奏されましたが、それらの演奏は、ディオティマ弦楽四重奏団が曲を完全に手中に収めていることを感じさせる、見事なものでした。《開花》では、憧れに満ちた歌と、深いところから高まっていく生命の蠢きとの対照が、《沈黙の花》では、移ろいのなかの濃密な音楽の展開が、洗練された響きで、かつ深い音楽的な必然性をもって鳴り響いていました。《書》のまさに一筆の線は、つい先日武生で聴いたときより、さらに鋭敏さを増したような気がします。《原像》から《遠い声》まで、細川さんの弦楽四重奏曲にひとすじの線が貫かれていることに深く聴き入ることができた演奏会でした。

9月5日の管弦楽作品の演奏会[サントリーホール大ホール]では、近作のオペラ《松風》より松風のアリアと委嘱作品のトランペット協奏曲《霧のなかで》を中心に、このシリーズの創設者である武満徹の志に沿って、細川俊夫が影響を受けた作曲家として、ジェルジ・リゲティの作品として《ミステリーズ・オヴ・マカーブル》が、また将来を最も嘱望する作曲家の作品として、フランチェスコ・フィリデイさんのチェロ協奏曲《全ての愛の身振り》が演奏されました。オーケストラは、準メルクルさん指揮の東京フィルハーモニー交響楽団。すべての作品を優れて音楽的な流れをもってわがものにした指揮の下、献身的とも言える素晴らしい演奏を繰り広げていました。

まず、フィリデイさんの作品では、死を予感させる大太鼓の音が打ち込まれるなかから、怯えるような繊細な響き──彼自身が親しんでいるオルガンの響きを思わせます──が浮かび上がった後、特殊奏法や噪音も駆使しつつ、複雑ながらも厳密なリズムで構成されたチェロの独奏が、オーケストラとよく噛み合いながら凄まじいまでのクライマックスを築いていくのに圧倒されました。そこには、どこか死の不安に駆られながら、生に、その象徴としての愛することにしがみつくことの狂おしさも表現されていたように思います。チェロの最低音がチューニングを下げながらオーケストラの低音と溶け合って、そこから浄化された響きが、生の根底から響くように立ち現われてきたのには、感動を覚えました。作品の要求に見事に応える多井智紀さんの独奏も素晴らしかったです。

次に演奏されたのが、細川俊夫さんのオペラ『松風』より、松風のアリア。曲は、オペラの前奏曲と、主人公の松風が松の木陰に在原行平の姿を幻視し、それと忘我のうちに一体化していく第4景の音楽によって構成されており、松風の妹の村雨のパートを、イェルーン・ベルヴァーツさんのトランペットが担当しました。松風を歌うのは、オペラの初演でも歌ったバーバラ・ハンニガンさんです。サンプリングされた水音のなかから立ち上がる、気配を感じさせる響きが夜を現出させ、海辺の風景を形づくっていきます。そこに松風の声が、行平の名を呼びながら静かに入り込んできて、行平を思いのなかで追いながら高まっていく過程が、湧き上がる情念に身を捩らせるかのような、激しい動きをもった線をなしながら、松風の狂おしいまでの思いを響かせていました。ハンニガンさんの声は、この曲に求められる妖しいまでの艶やかさと、空間を突き抜けるような強さとを兼ね備えていて、とくに行平の狩衣を掻き抱いて忘我の境地に至ろうとする瞬間は、強い印象を残しました。

休憩を挟んで、細川さんのトランペット協奏曲《霧のなかで》の世界初演が行なわれました。海鳴りのような響きも聴こえるなかから、漂うような響きが徐々に立ち上がってきて、そのなかに独奏トランペットが、静かに歩むように響いてきます。やがて、霧をなすオーケストラの響きが高まってきてうねりをなし、人を圧倒する力を持って押し寄せてきます。その波の大きさは、今までに耳にしたことのないほどのものでしたが、それとともに、波に巻き込まれてもがくかのようなトランペットの独奏が強い印象を残しました。独奏を担当したベルヴァーツさんは、輝かしい音と素晴らしい技巧で、時に霧を突き抜けるような音を響かせながら、時折マウスピースを取り、ミュートを付けた楽器を通して、魅力的な声も響かせていました。ミュートを替えるごとに声色を変えるその声は、オーケストラの響きのなかからだと、深いところから聴こえるようでもあり、深く聴くことに誘う歌を響かせるようでもありました。最後に、ミュートを付けたトランペットの音が、風のような響きのなかへ消え入っていく瞬間は、旅人が霧のなかへ歩み去っていくさまを思わせるもので、感銘深かったです。

最後に、リゲティのオペラ『ル・グラン・マカーブル』より、ゲポポのアリアを中心に構成された《ミステリーズ・オヴ・マカーブル》が演奏されましたが、ここではハンニガンさんが歌いながら指揮を執り、一つのオペラティックでもあり、舞踏的でもあるようなシーンを現出させていました。歌うだけでも大変な技巧を要し、指揮するのにも高度な技術を要するこの曲を、ハンニガンさんは完全にわがものにしていて、圧倒されます。根拠なき恐怖に駆られ、過度に緊張したゲポポが、リゲティの哄笑を聴かせるようなアンサンブルの響きと、丁々発止の遣り取りを繰り広げながら、歯車が狂うように狂気に陥っていくさまを、ハンニガンは聴き手を拉し去るような速度感を持ったパフォーマンスで表現していました。この夜演奏されたいずれの曲も、生きることの底にある狂おしさを、音楽ですくい取ろうとする深い〈うた〉に満ちていて、演奏会全体としても深い感銘を残しました。そのことは、生涯にわたり〈うた〉を愛し続けた武満徹さんの志にも適ったことと思われます。

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